Come scegliere la scuola di danza giusta a Lecco: guida per genitori e futuri ballerini

Scegliere la scuola di danza giusta è un passo importante per chi desidera avvicinarsi al mondo della danza, soprattutto se si tratta dei propri figli. A Lecco e nei comuni limitrofi, ci sono diverse realtà, ma non tutte offrono un percorso formativo serio, completo e allo stesso tempo stimolante. In questo articolo ti aiutiamo a capire cosa valutare nella scelta e perché Scuole Ballet è oggi un punto di riferimento per la danza a Lecco, Erba e dintorni.

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A che età iniziare danza?

Molti genitori si chiedono: qual è l’età giusta per cominciare a ballare?
In realtà, già dai 3-4 anni si può iniziare con corsi propedeutici, che combinano gioco, ritmo e movimento, stimolando la coordinazione e la creatività.

Dai 6 anni in su, i bambini possono iniziare un percorso più strutturato, scegliendo tra danza classica, moderna, hip hop o altri stili, sempre con approcci adatti alla loro età.

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I principali stili di danza: quale scegliere?

La danza è un mondo variegato e ogni stile ha caratteristiche e obiettivi diversi:

• Danza Classica
  Fondamentale per chi vuole costruire basi tecniche solide. È elegante, rigorosa, e sviluppa disciplina e postura.

• Danza Moderna
  Dinamica e espressiva, perfetta per chi ama muoversi liberamente ma con tecnica.

• Hip Hop e Urban
  Ritmo, energia, movimento. Adatta a bambini e ragazzi che amano la musica moderna e uno stile più informale.

• Danza Contemporanea
  Ottima per sviluppare consapevolezza corporea, espressione e creatività.

A Scuole Ballet, ogni corso è pensato per fasce d’età e livello, con insegnanti esperti in ciascuna disciplina.

Come riconoscere una buona scuola di danza

Quando cerchi una scuola di danza a Lecco, fai attenzione ad alcuni elementi fondamentali:

• ‍ Insegnanti qualificati, con formazione riconosciuta e passione per l’insegnamento

• Metodo didattico chiaro e progressivo, che valorizza ogni allievo

• Spazi sicuri e adatti alla danza, con pavimentazioni e attrezzature adeguate

• ‍‍ Comunicazione aperta con le famiglie

• Partecipazione a saggi, rassegne o gare, per stimolare la crescita personale e artistica

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Perché scegliere Scuole Ballet a Lecco

Da oltre 20 anni, Scuole Ballet è il punto di riferimento per la danza a Lecco, Erba e tutta la provincia. Offriamo:

• Corsi per bambini, ragazzi e adulti

• Insegnanti professionisti con formazione accademica

• Sale danza attrezzate, sicure e accoglienti

• Lezioni di prova gratuite

• Un ambiente sereno, inclusivo e stimolante

Che tu cerchi un’attività formativa o ricreativa, qui troverai qualità, passione e competenza.

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Contattaci e vieni a trovarci

Siamo a Lecco e a Erba.
Compila il form nella sezione contatti per richiedere info o prenotare una lezione di prova.
Oppure chiamaci direttamente!

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In conclusione

Se stai cercando una scuola di danza a Lecco che unisca professionalità, passione e attenzione per ogni allievo… Scuole Ballet è la scelta giusta.

Ti aspettiamo!

SOCIALIZZARE A SCUOLA DI DANZA

C’è una varietà “umana” e una vibrazione incredibile all’interno di un gruppo di danza: c’è chi si ritrova nello sguardo di un amica/o, e chi fa fatica ad accettare gli atteggiamenti degli altri, c’è chi vuole emergere il più in fretta possibile, chi lavora a “testa bassa”, chi ride di se stesso e dei propri errori, chi non accetta le piccole sconfitte quotidiane, chi fa brillare l’anima solo danzando…

 

Quale disciplina, meglio della danza, può rappresentare l’occasione ideale per socializzare con i coetanei?

 

Che gli adolescenti di oggi non abbiano più gli stessi stimoli a trascorrere del tempo in compagnia dei propri amici o tanto meno dei propri genitori, è un dato di fatto.

Proprio mentre nuove modalità di comunicazione più “virtuali” si diffondono, capita che i ragazzi perdano la voglia di incontrarsi e rapportarsi faccia a faccia con i loro coetanei, chiudendosi nel proprio mondo.

Per cercare di risolvere questo problema, una soluzione arriva dallo sport, a prescindere da quale disciplina si scelga di seguire.

 

Ogni tipo di attività fisica è in grado di offrire dei benefici diversi, non solo per il corpo, ma anche per la mente. Tutto ciò è ancora più evidente soprattutto nel caso della danza, sia per bambini che per ragazzi, i quali possono trascorrere del tempo facendo dell’attività fisica molto divertente, che può aiutarli a sciogliere le tensioni sia a livello fisico che psicologico.

 

La danza rappresenta un ottimo modo per imparare a relazionarsi e a stare insieme agli altri. Si può ballare individualmente o in coppia, ma entrambi i casi consentono di rapportarsi con altre persone, condividendo nello stesso tempo e nello stesso luogo la stessa attività. In questo modo è possibile creare anche dei rapporti di amicizia, o comunque di riuscire a comunicare con gli altri, senza timore e senza vergogna.

È risaputo, infatti, che anche i ragazzi più timidi e insicuri possano acquisire una grande sicurezza in se stessi attraverso la danza, in particolare se in gruppo. Il fatto stesso di doversi necessariamente interfacciare con altre persone, per raggiungere lo stesso obiettivo, rende impossibile non comunicare in modo spontaneo.

Ogni classe ha un diverso equilibrio: a volte la collaborazione reciproca risulta la più bella caratteristica del gruppo, e nella maggior parte dei casi se non si raggiunge un’unione stabile durante le lezioni, o le prove, sarà difficile gioire per il successo di qualcuno e si renderà complicato il rapporto tra i componenti.

 

La danza si sa, è anche competizione, che fa parte volenti o nolenti della quotidianità: ma quando questa serve da stimolo e si schiaccia sull’acceleratore perché si ambisce ad un determinato ruolo e l’impegno aumenta considerevolmente, facendo di fatto alzare il livello non può che essere positivo.

È fondamentale raggiungere saggiamente una stabilità anche nei rapporti reciproci con i compagni perché questo andrà ad influire sulle peculiarità del gruppo: quando la pura e semplice armonia regna sovrana in un team non c’è nulla che possa sconfiggerlo… Nemmeno una piccola sconfitta ad un concorso o ad un esame!

 

Le coreografie di gruppo, inoltre, prevedono una serie di regole. Come tutti sappiamo, infatti, quando si ballano questi tipi di danza, bisogna conoscere i passi giusti, per cui è importante restare concentrati per riuscire a ricordarli.

Al tempo stesso, le regole sono anche quelle dello stare insieme. Dai ballerini alle prime armi, fino a quelli professionisti, una delle prime regole che viene sempre presa in considerazione è quella del rispetto degli spazi altrui.

 

In questo senso le lezioni di danza consentono ai ragazzi di divertirsi, fare attività fisica e socializzare, imparando anche le regole dello stare insieme. Questi aspetti sono molto utili a scuola di danza, come su un palcoscenico e persino nella vita di tutti i giorni.

In conclusione, quindi, se sei alla ricerca di un’attività adatta per far uscire tuo figlio o tua figlia dal suo “guscio”, ma anche se sei un ragazzo o una ragazza interessato a conoscere nuovi amici attraverso la danza, questa disciplina fa probabilmente al caso tuo!

LA LEZIONE DI HIP HOP

L’hip hop è un movimento artistico e culturale nato negli anni ‘70 negli Stati Uniti d’America.

Il cuore di questo movimento è stato il fenomeno dei Black Party: feste di strada, in cui i giovani afroamericani e latinoamericani interagivano suonando, ballando e cantando a ritmo della musica hip hop.

Negli anni ‘80/‘90 gli aspetti di questa cultura hanno subito una forte esposizione mediatica varcando i confini americani ed espandendosi in tutto il mondo.

Come per la danza moderna, non bisogna pensare che la danza hip hop non segua delle regole o non abbia la sua tecnica; infatti, ogni lezione comprende:

• Riscaldamento
• Studio della tecnica
• Improvvisazione
• Composizione coreografica

 

Vediamoli ora nel dettaglio

 

IL RISCALDAMENTO

Durante questa prima fase viene riscaldato tutto il corpo e vengono eseguiti esercizi di potenziamento muscolare

 

LO STUDIO DELLA TECNICA

Si passa poi allo studio dei passi e delle tecniche base dell’hip hop e delle loro varianti. Con i bambini si lavora la tecnica anche con giochi didattici utilizzando oggetti, evocando immagini e sensazioni per rendere il tutto più stimolante e divertente.

 

IMPROVVISAZIONE

Detta anche freestyle: questa è una parte fondamentale della lezione, oltre ad essere uno strumento di comunicazione corporea, l’improvvisazione permette agli allievi di superare anche alcune difficoltà legate, ad esempio, alla timidezza e all’autostima. Mediante l’improvvisazione, che è tipica dell’Hip Hop, l’allievo può esplorare il proprio corpo, ricercando il proprio stile e le proprie doti fisiche trovando un’espressività unica in modo naturale.

 

COMPOSIZIONE COREOGRAFICA

Al termine della lezione, si utilizzano le basi e le tecniche acquisite per creare una coreografia valorizzando le capacità e lo stile personale di ogni allievo.

 

I bambini in modo particolare vengono affascinati dai movimenti e dalla musica dell’Hip Hop poiché li incuriosiscono e stimolano la loro fantasia; il corpo può diventare qualsiasi cosa: un robot, una macchina, può farsi liquido, di cemento, lento, rapido, leggero o pesante.

LA LEZIONE DI DANZA MODERNA

Esistono varie forme di danza, una di queste è quella moderna.

Con il termine danza moderna si definiscono generalmente gli sviluppi della danza che, a partire dalla fine del XIX secolo, portarono ad un nuovo modo di concepire la danza di scena, in contrapposizione al balletto classico-accademico: la danza moderna non è altro che l’evoluzione più recente della danza classica, che sta alla base di tutto.

La danza moderna è una forma di ballo che parte dalla ricerca di “libertà”, preferisce esprimersi con movimenti lineari, evidenziando il carattere e la personalità del ballerino, a partire dalla sua gestualità naturale; il corpo si muove spinto dalla voglia di ritrovare un rapporto con il tempo e con lo spazio, rispettando comunque certi canoni tecnici ed espressivi.

Non bisogna dunque pensare che la danza moderna non segua delle regole o non abbia la sua tecnica.

Ora la domanda che sorge spontanea è: come è strutturata una lezione di danza moderna?

Generalmente ogni lezione comprende:

• Warm up (o riscaldamento)
• Studio della tecnica
• Diagonali

• Coreografia

LO STUDIO DELLA TECNICA 

Il modern racchiude in sé una varietà di stili e di tecniche differenti tra loro, ed è per questo motivo che anche durante le lezioni di danza moderna sono proposti esercizi di studio della tecnica volti a:

• riconoscere e comprendere il “centro” del proprio corpo
• acquisire consapevolezza dei punti di appoggio del piede sul pavimento
• riconoscere e padroneggiare l’impostazione degli arti inferiori di parallelo e rotazione esterna
• spostare il peso del corpo e mantenerne l’equilibrio durante l’esecuzione dei diversi passi
• comprendere le possibilità di escursione delle diverse articolazioni
• analizzare il diverso grado di contrazione muscolare

LE DIAGONALI 

Gli elementi sviluppati nelle parti precedenti della lezione vengono finalmente applicati nello studio delle diagonali, ove l’uso dello spazio e dell’interpretazione ne fanno da padrone.

Nelle diagonali viene approfondito lo studio delle direzioni, dei livelli e delle estensioni e dei percorsi sviluppando delle vere e proprie mini-coreografie.

 

LA COREOGRAFIA 

Al termine di queste fasi, arriva la tanto attesa coreografia che generalmente rappresenta il momento maggiormente amato da tutti i ballerini!

Viene insegnata a poco a poco e prende forma lezione dopo lezione. Nella coreografia vengono inseriti tutti gli elementi di tecnica acquisiti mediante molteplici combinazioni.

L’approccio alla corografia avviene in modo graduale: i passi vengono insegnati, in un primo momento, senza essere eseguiti insieme alla musica, una volta acquisita sicurezza e padronanza della sequenza, il tutto viene concretizzato ballando insieme alla musica.

LA LEZIONE DI DANZA CLASSICA

La lezione di danza classica si svolge generalmente in affascinanti sale con pareti coperte da specchi, sbarre, un pavimento in legno o rivestito di linoleum, e, nella migliore delle ipotesi, un pianoforte.

Ogni lezione è strutturata in base all’età e alle capacità degli allievi che frequentano le classi.

Generalmente ogni lezione di danza classica è così strutturata:

• Riscaldamento
• Sbarra
• Stretching
• Centro
• Punte (a seconda dell’età)

 

Il Riscaldamento

Generalmente, raggiunta una certa maturità e consapevolezza, il riscaldamento è svolto in modo autonomo da ogni ballerino prima dell’inizio ufficiale della lezione e consiste nello svolgere esercizi mirati a preparare, allungare e riscaldare i muscoli, nella stessa modalità in cui verranno poi utilizzati durante la lezione, per prevenire eventuali infortuni.

Per i ballerini più piccoli o alle prime armi, è l’insegnante che si occupa di far svolgere questa prima importante parte della lezione.

La Sbarra

L’inizio vero e proprio della lezione di danza inizia con il posizionamento alla sbarra dove vengono eseguiti esercizi predefiniti e in continua evoluzione.

Tutti i movimenti richiedono necessariamente la capacità di extrarotazione (rotazione esterna) delle gambe, detta en-dehors.

Durante i primi anni di danza tutti gli altri esercizi vengono proposti con due mani sulla sbarra, in una posizione frontale; più si impara e si migliora e più gli esercizi verranno poi proposti ed eseguiti di profilo con una sola mano alla sbarra.

Tutti gli esercizi sono eseguiti sia a destra che a sinistra seguendo il principio di interfunzionalità e polivalenza; lo scopo è quello di preparare un ballerino ambidestro dal punto di vista tecnico.

Si parte dalla sequenza del Plié fino ad arrivare al Relevé attraverso Battement Tendu, Battement Jeté, Rond de Jambe a terre, Fondu, Frappé, Rond de Jambe en l‘air, Petit Battement, Adagio e Grand Battement. Questi esercizi hanno come obiettivo quello di riscaldare, stirare e potenziare i muscoli, esercitare i tendini, donare maggiore flessibilità degli arti inferiori, migliorare la mobilità articolare e l’equilibrio; inoltre servono per educare nel particolare ogni singolo gesto della ballerina nel particolare, nell’ottica di dover eseguire gli stessi al centro, senza alcun ausilio di sostegno.

Stretching

Alla fine della sbarra, tra questa e il centro, di solito è concesso qualche minuto per qualche breve esercizio di stretching che può essere eseguito poggiando il piede sulla sbarra allungando la muscolatura ischio-crurale, o più semplicemente eseguendo esercizi di stretching statico come le spaccate.

Si riprende quanto eseguito nel riscaldamento con la sola differenza che in questa fase, gli allungamenti sono più marcati.

 

Il centro

La seconda parte della lezione si realizza senza l’aiuto della sbarra e viene chiamata centro. Qui è fortemente sollecitata la capacità coordinativa dell’equilibrio in tutte le sue forme, come frutto del lavoro eseguito alla sbarra.

La lezione vera e propria inizia in questo momento: il centro è introdotto da esercizi solitamente lenti mirati a sviluppare maggiore sensazione di equilibrio, stabilità, fluidità e simmetria dei movimenti sia a livello degli arti superiori (attraverso i “port de bras”) che degli arti inferiori (“Adagio”).

Segue poi la parte delle pirouettes: rotazioni attorno all’asse sagittale eseguite in equilibrio sulla mezzapunta.

Una buona parte della lezione è dedicata al cosiddetto Allegro: dei veri e propri salti che si distinguono in base all’elevazione, piccoli salti e Grandi salti (come: Grand jeté, Sissonne, Entrachat Six, Cabriole…) e passi di spostamento e di collegamento (come: glissades, pas de chat, pas de basque…)

Le punte

Le ballerine iniziano a usare le scarpe da punta intorno ai dodici anni di età e mai sotto i dieci, in quanto, prima di tale data, i nuclei di accrescimento delle ossa non ancora stabili, rendono il piede troppo suscettibile a danni e deformazioni.

È necessaria una forte tecnica di base e un buon irrobustimento della muscolatura della caviglia che, ben sostenuta, non deve assumere atteggiamenti sbagliati.

La ballerina arriva ad eseguire gradualmente tutti i passi e movimenti che svolgeva precedentemente in mezzapunta (sull’avampiede) attraverso lo studio di esercizi alla sbarra, di esercizi al centro e fino all’esecuzione di piccole coreografie: alcune di queste possono essere tratte da balletti famosi e prendono il nome di “variazioni di repertorio”.

Ogni anno, gli allievi dei corsi di danza classica delle Ballet scuole di danza, sostengono il tanto rinomato esame. Per i bimbi più piccoli, che sostengono gli esami dei “ gradi ” questo importante momento, coincide con la primavera, mentre per gli allievi più grandi, che sostengono gli esami “ vocational ”, coincide con l’autunno.

Ma perchè decidiamo di far sostenere gli esami ai nostri allievi?

Pensiamo che sia un momento importante nel percorso di ogni studente: aiuta ad accrescere la propria autostima, la capacità di porsi degli obiettivi personali, la capacità di comprendere quanto impegno è necessario e la conseguente messa in pratica per raggiungerli.
Lo scopo , quindi, è quello di motivare ed incoraggiare gli studenti di ogni età e potenzialità a coltivare la propria passione attraverso un sistema di misurazione completo e standardizzato nel mondo.

Nello specifico, i nostri iscritti sostengono gli esami della Royal Academy of Dance , riconosciuti per la loro qualità in tutto il mondo, e ogni anno hanno quasi un quarto di milione di candidati che scelgono di sostenerli.
I contenuti dei piani di studio sono strutturati in maniera progressiva per garantire che il livello tecnico richiesto, sia coerente con le capacità di apprendimento dell’allievo, adattandosi sia a chi sia nuovo nel mondo della danza, sia a chi ha già esperienza: il programma di studio è equilibrato ed attentamente pianificato, con attenzione rivolta anche alla creatività e alla musicalità.
Il giorno dell’esame è quindi il culmine di un processo di insegnamento e apprendimento non solo per gli alunni: in quel momento anche l’insegnante si espone ad una valutazione esterna, la quale sarà imparziale, in modo tale da dare
l’opportunità anche a lui di migliorare.

Cosa accade nei giorni precedenti?

Innanzitutto l’aula viene adeguatamente preparata: gli specchi vengono coperti con delle tende, viene sistemato un pianoforte per fare in modo che il pianista possa suonare la musica dal vivo (ebbene sì, quel giorno la musica che accompagna gli esercizi non viene riprodotta dal solito cd registrato) e di conseguenza verrà fatta una lezione di prova con il pianista per sentire le musiche con un orecchio nuovo.
Infine, viene sistemato un tavolo con una sedia per l’esaminatrice o l’esaminatore che verrà a valutare gli studenti.

Cosa avviene durante questo giorno speciale?
Gli allievi accedono a scuola un paio d’ore prima dell’inizio del loro esame: ogni corso è diviso in piccoli sottogruppi, di massimo quattro allievi, per fare in modo che la valutazione sia più obiettiva e precisa possibile.

Queste due ore saranno dedicate alla preparazione dell’acconciatura, ad indossare: la divisa, il numero personale assegnato ad ognuno, ed uno speciale fiocco porta fortuna sistemato in cima allo chignon di ogni bimba; all’eventuale ripasso degli esercizi ed al riscaldamento, per fare in modo di essere perfettamente pronti per il proprio turno.

Pochi minuti prima dell’inizio, il piccolo gruppo si prepara in fila indiana fuori dalla porta dell’aula (all’interno della quale ci saranno il pianista e l’esaminatrice o l’esaminatore ad attenderli), sarà quindi il suono di un campanellino a dare il via.
Una volta entrati in aula il gioco è fatto!

L’emozione è sempre tanta per tutti: allievi ed insegnanti!

In un’ora verrà valutato il lavoro di mesi e l’impegno da parte di tutti.

TORNARE A DANZARE DOPO LE VACANZE:

3 ERRORI DA EVITARE

 

L’inizio delle lezioni è sempre una grande gioia, non si vede l’ora di riprendere con gli esercizi, di imparare passi nuovi e di migliorare; quest’anno però la pausa è stata più lunga del previsto, quindi vediamo insieme i 3 errori da evitare al ritorno in sala dopo le vacanze.

1. Allenarsi con l’intensità massima:

Il nostro fisico è stato a riposo per molto tempo ed i muscoli hanno perso forza ed elasticità. Non preoccupatevi dunque se alla sbarra vi sentirete “tremolanti” e se non riuscirete a controllare bene i movimenti. Il corpo ha bisogno di riprendersi gradualmente al lavoro, un po’ di pazienza e presto vi risentirete più in forma che mai!

L’energia del lavoro nel mese di Settembre non deve essere massimale, dopo un lungo periodo di pausa al ritorno dalle vacanze, è consigliabile avere un periodo di almeno due settimane in cui lavorare con un incremento graduale. L’errore da evitare è quello di partire con l’intensità massima già nelle prime settimane di lavoro.

2. Trascurare il defaticamento:

Il defaticamento, o cool-down, si svolge alla conclusione della lezione e rappresenta una componente fondamentale nell’allenamento del danzatore: lo scopo principale del defaticamento è quello di favorire la rigenerazione psicofisica al termine di una classe o di una performance artistica. Un corretto defaticamento dura mediamente dai 5 ai 15 minuti e può essere accompagnato dalla musica.

Per il defaticamento ci sono diversi fattori da valutare in base alle peculiarità di ogni singolo danzatore. Questi fattori sono ad esempio l’età, lo stato di forma, la disciplina praticata, il momento della giornata, la stagione dell’anno e il clima in cui il danzatore svolge la pratica e soprattutto l’intensità della lezione appena sostenuta.

Un recente studio scientifico ha messo in relazione il riscaldamento con il defaticamento svolto da un campione di 324 danzatori: dai risultati di questo studio si osserva come una percentuale molto bassa di danzatori svolge sia il defaticamento sia il riscaldamento.

Sebbene il campione di questo studio sia esiguo, ci mette ugualmente in guardia da un errore da evitare alla ripresa delle attività di danza; dare poco valore al defaticamento o saltarlo del tutto rischia di ritardare il recupero psicofisico dei danzatori compromettendo lo studio della danza nei primi mesi e le successive performance.

3. Esagerare con lo stretching dei muscoli doloranti:

Doms è l’acronimo inglese che indica i dolori muscolari presenti tra le 14 e le 72 ore dopo aver svolto un’intensa attività muscolare. Questi dolori limitano i movimenti e a volte possono provocare anche una riduzione dell’escursione articolare. Generalmente il danzatore soffre questi dolori dopo lezioni intense successive ad un periodo di stop. Un classico caso di doms si verifica, infatti, nel mese di settembre quando si ricominciano le lezioni a seguito del periodo di riposo estivo. La causa dei doms è comunemente attribuita a un deposito di acido lattico nei muscoli, ma in realtà l’acido lattico viene smaltito dal nostro organismo e rientra nei livelli fisiologici entro due ore dalla fine dell’allenamento.

In realtà il dolore muscolare, che sentiamo il giorno dopo danza, è dovuto a micro-lacerazioni del tessuto muscolare che si creano a seguito della contrazione muscolare di tipo eccentrico. I dolori muscolari scompaiono generalmente nel giro di 2 o 3 giorni, ma possono protrarsi anche fino a 6 o 7 giorni. Lo stretching in questi casi è da valutare con molta attenzione perché in fase acuta un ulteriore allungamento del muscolo dolente potrebbe complicarne il recupero. Per questo motivo si consiglia di evitare tecniche di stretching aggressive.

 

In conclusione per la preparazione atletica di settembre suggeriamo di fare molta attenzione alla progressione dell’intensità, di non trascurare il defaticamento e di non esagerare con lo stretching dei muscoli interessati dai doms.

La danza classica per adulti è una disciplina completa che può aiutare a tonificare il corpo e riacquistare la mobilità e la flessibilità dei muscoli.

Alcune di noi hanno sognato un futuro al Bolshoi, altre, che sono state trascinate alla sbarra dalle loro mamme, hanno vissuto un vero incubo, eppure il mondo intero del balletto sta tornando di moda. Già, perché la danza classica sta diventando il nuovo trend anche per signore over 40, anzi soprattutto per loro. Il motivo? L’abbigliamento, l’eleganza, la tonificazione e il rilassamento che il balletto classico comporta; non solo, esso è una passione che si può vivere anche al di fuori dello studio di danza andando a vedere spettacoli, leggendo articoli e interviste a famosi ballerini.

Se la danza classica vi sembra troppo tranquilla, potete provare a cimentarvi in qualcosa di più movimentato, come ad esempio la danza moderna o l’hip hop, oppure la danza orientale per scoprire un’altra cultura. Potreste anche partire dal chiedervi cos’è il flamenco o lo swing, e arrivare a scoprire una fantastica danza in tutti i suoi aspetti.

 

Quando si fa danza da adulti sono possibili due situazioni: un ritorno dopo averla studiata da bambine o da ragazze, oppure un approccio senza alcuna preparazione di base. In questo secondo caso si parla di adulti principianti.

 

Tutto negativo dunque per chi comincia a studiare danza classica solo in età adulta? Assolutamente no: iniziando a fare danza da adulte avremo tutti i benefici di questo sport senza incorrere in quelli che potrebbero essere i suoi svantaggi. Lo scopo della danza in questo caso non è infatti farci diventare delle ballerine, forzando magari quelle che sarebbero le naturali attitudini del nostro corpo, ma rinforzare il fisico e anche la mente, tonificare gli addominali e i glutei, lavorare su equilibrio, flessibilità, memoria e musicalità.

 

Alcuni tra i principali benefici sono:

Potenziamento della memoria – In ogni classe di danza si imparano dei passi nuovi, anche delle semplici sequenze alla sbarra che aiutano a stimolare la nostra memoria. E’ un validissimo esercizio per la mente che piano piano troverà sempre più facile memorizzare anche sequenze più lunghe.

Diminuzione dello stress – La musica che guida la lezione, lo stretching prima e dopo gli esercizi sono tutti elementi che aiutano il corpo a liberarsi dello stress accumulato. Ecco perché sempre più aziende, soprattutto all’estero, offrono ai dipendenti la possibilità di seguire delle classi di danza.

Miglioramento della postura – Chi lavora in ufficio sa bene quando la nostra schiena assomigli più a una S a fine giornata che a un dorso sano. La danza, fatta con la dovuta attenzione, ci aiuta a distenderla, a tenerla dritta e a creare spazio fra una vertebra e l’altra evitando facili schiacciamenti.

Aumento della flessibilità muscolare – Studiare danza classica permette di riacquistare una buona flessibilità muscolare e consente pian piano di ritrovare agilità ed evitare spiacevoli contratture.

 

Dunque non è mai tardi per cominciare: potresti scoprire anche tu una nuova passione!

Tutte le bambine, dopo qualche anno di studio della danza, sognano di indossare una paio di punte. Anche molti genitori non aspettano altro che vedere la propria figlia sollevarsi su quelle scarpette di raso, ma ci sono molte cose che bisogna conoscere prima di addentrarsi in questo mondo, perciò in questo articolo risponderemo ad alcune domande

 

Lo sapevi che trovare le giuste scarpe di danza non è una cosa così semplice?

La vestibilità delle scarpette può avere un ruolo fondamentale sul futuro di un aspirante ballerino/a di danza classica. Esistono diverse marche, modelli ed opzioni di personalizzazione e, per questo motivo, può essere davvero difficile trovare il modello giusto per il piede del tuo bambino/a.

La soluzione migliore per trovare le scarpette di danza perfette è quella di conoscere i piedi che le indosseranno: in base alla forma potrai farti un’idea delle scarpe danza più adatte. I negozi specializzati e gli insegnanti stessi danno sempre buoni consigli.

 

Perché è fondamentale scegliere le scarpette da punta giuste?

Scegliere le scarpe di danza sbagliate, non solo è controproducente a livello di prestazioni fisiche durante le lezioni, ma può anche causare problemi un po’ più gravi. Ad esempio può causare lividi e dolore alle unghie dei piedi, favorendo così la comparsa dei calli, rendono difficile camminare in punta, costringendo tutto il peso del corpo sugli alluci.

Insomma, sul lungo periodo, una scelta sbagliata può rovinare la postura ed i movimenti di una ballerina, per questo è necessario capire come scegliere le scarpe da danza giuste.

Ballare sulle punte non è un’attività naturale e richiede un indirizzamento del peso corporeo sui piedi, ragion per cui è importante cercare di trasmettere il più uniformemente possibile la forza necessaria a eseguire i passi attraverso le ossa, le articolazioni e i tessuti molli.

Il piede è composto di ventisei ossa, trentatré articolazioni e oltre cento tra legamenti e tendini.

Una scarpa correttamente aderente supporta l’allineamento di queste strutture, al contrario una usurata può causarne il collasso su se stesse, portando a un sovraccarico delle articolazioni con conseguenti problemi di allineamento a lungo termine, borsiti e danni cartilaginei che possono a loro volta causare artrite, speroni calcaneari e perdita di movimento nell’articolazione.

Quando la scarpetta non supporta più il piede, infatti, cambia anche il baricentro, la forza non è più uniformemente distribuita e si scarica eccessivamente sulla parte superiore del piede, ponendo le ossa di piede e caviglia rischio di fratture da stress e provocando lesioni ai tessuti molli.

 

A che età è giusto indossarle?

In questo caso vige il famoso detto: “ogni cosa a suo tempo”. Per poter calzare una scarpa da punta infatti, ci sono delle condizioni da cui non si può prescindere, o almeno non si dovrebbe.

Non prima dei 10 anni poiché la struttura del piede è ancora molto esposta ad essere danneggiata in quanto ancora troppo immatura. Vien da sé che si potrebbe parlare di un’età giusta dai 10-11 anni in su a patto però che si abbiano i requisiti fondamentali affinché questo sia possibile. Innanzitutto caviglia, postura ed equilibri forti e sostenuti da un lavoro muscolare costante e continuo, ma soprattutto la perfetta padronanza dell’esecuzione della mezza punta (con tutte e cinque le dita dei piedi ben piantate a terra) e il concetto chiaro, teorico e pratico dell’en dehors nel cervello e nelle gambe.

 

Come sono fatte?

Le scarpe da punta sono formate da quattro elementi principali:

• la tomaia che ricopre il piede ed è solitamente in raso;
• la mascherina realizzata in tela o carta imbevute di resine speciali;
• la soletta che sostiene il piede e presenta varie consistenze, quella esterna è in cuoio, mentre quella interna è frutto della combinazione di cartone pressato e altri materiali;
• i nastri in raso o nylon che trattengono la caviglia limitando il rischio di infortuni;

Le scarpette da punta richiedono, poi, di elevata manutenzione e necessitano di molto tempo per raggiungere la morbidezza che le rende funzionali, quindi non sorprende che numerosi danzatori ne prolunghino la naturale durata. Tuttavia, ballare con le scarpe rovinate può aumentare seriamente il rischio di alcuni tipi di lesioni.

 

Come sceglierle?

Per trovare la scarpetta da punta perfetta, non potrai non

considerare:

• Il tipo di box, tenendo conto della forma e larghezza delle dita, della loro lunghezza e del livello di comprimibilità.
• L’altezza della mascherina, considerando la lunghezza delle dita, la flessibilità dell’arco, il livello di comprimibilità e la larghezza del piede;
• la larghezza del piede;
• il profilo della scarpetta che si calcola verificando l’altezza del collo del piede, il suo dorso ed il livello di comprimibilità;
• il tallone della scarpetta
• la resistenza della soletta interna, tenendo conto della tipologia del collo del piede, dalla sua forza, dal rapporto peso/altezza e, infine, dalle preferenze dell’insegnante e della ballerina.

 

Come possiamo prevenire le lesioni causate da scarpe eccessivamente usurate?

Come prima cosa, possiamo assicurarci che le scarpe da punta siano adattabili ai nostri piedi la cui morfologia muscolare e ossea cambia man mano che il piede acquista forza e flessibilità. In secondo luogo, è bene essere guidati da un insegnante esperto, anche nella scelta del primo paio di scarpette da acquistare e sul conseguente utilizzo.

E’ preferibile cambiare le scarpe prima che si rompano, a seconda del livello di allenamento. Importantissimo è imparare a conoscere e “ascoltare” le proprie scarpette prima e dopo aver danzato, verificare eventuali asimmetrie, punti deboli o aree di eccessiva usura, monitorandole per capire il motivo per cui alcune zone si rovinano più rapidamente di altre. Infine, lasciare asciugare completamente le scarpe dal sudore dopo ogni utilizzo e averne sempre un paio di scorta, in modo da evitare di ballare su scarpe umide.

Insomma, come puoi vedere non è semplice scegliere le giuste scarpe da punta, per questo è sempre meglio affidarti all’opinione di qualcuno di esperto come i tuoi insegnanti.

A partire dai primi maestri nelle corti francesi fino agli insegnanti di oggi, si sono evolute le modalità e il metodo, ma non quello che è racchiuso in questa relazione: la trasmissione da insegnante ad allievo di questa arte che è la danza.

Accanto alle conoscenze, le doti e le esperienze, l’insegnante di danza possiede una molteplicità di compiti e capacità relazionali che sviluppa e calibra a seconda di chi ha con sé in sala. Valorizzare le emozioni degli allievi, rispettare i loro stati d’animo, aspettare i “tempi tecnici” di apprendimento sono tutte capacità che rendono possibile la creazione di un rapporto, professionale e personale, tra l’insegnante e l’allievo che varia in base alle fasce di età.

Il maestro di danza non occupa mai il posto del protagonista, ma si offre al servizio di chi ha bisogno di una guida; la sua dedizione è qualcosa che si merita poiché cade laddove ritrova determinazione, impegno sincero, consapevolezza e senso di responsabilità. La sua figura rispecchia, in qualche modo, la maestra o il professore di scuola, l’adulto da ascoltare e a cui obbedire, con la differenza che nella danza rappresenta una guida per migliorare le proprie capacità all’interno della propria passione.

Fin dall’infanzia, è necessario consolidare alcune regole da utilizzare in sala e per una buona educazione al fine che, i piccoli ballerini, imparino a rispettare i propri compagni e l’insegnante stesso.

Quello che di più bello c’è nel rapporto tra insegnante e i piccoli allievi è il fatto di sentire regole e qualche rimprovero durante la lezione che, però, si conclude con la soddisfazione di aver fatto meglio di aver imparato cose nuove, di aver sperimentato e superato i propri limiti per puntare a nuovi obiettivi.

E’ fondamentale mettere solide basi per una forte relazione insegnante–allievo, soprattutto, per crescere insieme lezione dopo lezione.

Con danzatori un po’ più grandi, nella fascia d’età pre-adolescenziale fino ai 16 anni più o meno, è necessario condividere sempre più conoscenza del mondo della danza: il maestro è, infatti, dispensatore di sapere, tecniche e insegnamenti di vita. E’ chiamato ad aggiornarsi continuamente, mettersi in gioco e mettersi a completa disposizione dei suoi allievi quando sono in sala danza.

Rispetto e fiducia: ecco le due componenti che si evolvono con il passare degli anni, i due punti cardine di un rapporto in continua trasformazione. A quest’età, si ha voglia di imparare, di diventare come i grandi ballerini, si ha l’entusiasmo e sogni grandi puntando sempre più in alto, alla ricerca di cose nuove, stimoli e successi.

Non esiste niente di più bello per un insegnante, che ammirare gli allievi che si impegnano in modo intelligente, utilizzando gli strumenti che gli sono stati dati, facendoli propri, per produrre un movimento, armonioso e perfettamente calibrato, con padronanza, musicalità e presenza. Possono occorrere anche diversi anni prima di assistere ad un simile piccolo miracolo, persino per l’esecuzione dei movimenti più semplici che la tecnica preveda.

Ma l’insegnante è paziente e sa aspettare, è in grado di dare anche centinaia di volte la stessa correzione o la stessa immagine, in attesa che questa faccia presa, che getti radici nella consapevolezza e nella curiosità, che venga capita non solo con la testa ma nel corpo, per essere restituita attraverso il mondo interiore e l’immaginario creativo degli allievi. Il corpo è uno strumento che contiene in sé un’intelligenza antica e infallibile, che esula da quella cognitiva del cervello, e richiede un po’ più di tempo per sedimentare certe abilità. Una volta avvenuto il processo, questa intelligenza guida il corpo splendidamente, portandolo ad una danza matura, fluida e dinamica, che avviene al di là del pensiero, donando spontaneità e naturalezza anche all’impresa coreutica più virtuosa e tecnicamente impegnativa.

Questa intelligenza, sarebbe forse meglio chiamarla sensibilità, poiché permette di dare valore a tutto ciò che può accadere in questo spazio, penetrare nel dettaglio, essere presenti in ogni parte del corpo e in ogni fase del movimento.

Questa è l’intelligenza che il bravo insegnante stimola nell’allievo

Una volta imparate le regole, si riesce a vedere con più chiarezza la strada da percorrere per essere un bravo ballerino: si fanno propri i movimenti ripetuti all’infinito e l’osservazione reciproca tra insegnante e allievo non è più conoscitiva, ma introspettiva.

Il rapporto creato con l’insegnante cambia: chi ti ha portato per mano fino a quel momento, dice di camminare da soli ormai. Cambia il modo di vedere il momento della lezione, cambia il modo di vedere le tue compagne, cambia il modo in cui guardiamo il nostro riflesso allo specchio.

E’ un lavoro difficile quello dell’insegnante di danza perché, oltre alla capacità di condividere le proprie conoscenze, insegnare quello che è il proprio bagaglio personale, trasmettere la passione per la danza agli allievi, crescere insieme a loro, deve fare i conti con chi, ormai grande, ha la necessità di essere ascoltato e di sfogarsi attraverso la danza.

Il maestro di danza è in sala per aiutare i suoi allievi a migliorare, giorno dopo giorno.

Dedica il suo tempo alla crescita, tecnica e umana, dei suoi danzatori, è una forza ispiratrice, un compagno di vita, severo quando deve, complice quando può diventarlo.

“Il buon maestro è quello che sa tirar fuori da ogni allievo quanto di più unico ci sia in questo…”